Keep Me In Your Heart: Las últimas canciones de 30 artistas legendarios

Los finales son difíciles. Ya sea que esté esperando un desvanecimiento lento a negro o que se sorprenda por un corte abrupto, la finalidad puede ser difícil de aceptar. No es diferente en el rock 'n' roll. Cada canción de la lista a continuación es un final, ya que recordamos las últimas canciones de 30 artistas legendarios.

"¡Eso es todo!" Janis Joplin se rió, y así fue. "No soy demasiado viejo para morir", cantó Bon Scott, y no lo era. La historia del rock está plagada de músicos que murieron jóvenes y muchas de las últimas grabaciones en esta lista precedieron a una muerte, desde "Belly Button Window" de Jimi Hendrix hasta "I'm Gonna Crawl" de Led Zeppelin. El trabajo de estudio final de algunos artistas se realizó al servicio de un amigo (Tom Petty, Lou Reed), mientras que otros fueron colaboraciones (Lemmy Kilmister, Chris Cornell).

Por supuesto, algunas de estas canciones no son el resultado de la muerte de una estrella de rock. Cuando las bandas se separan, desde los Beatles hasta Cream y The Police, tiene que haber una última grabación. Y luego están los músicos, como Billy Joel, que intentan retirarse del estudio, incluso mientras siguen tocando.

Algunas de estas últimas hurras encuadran con el material más conocido del artista (los Doors y Roxy Music se fueron con clásicos) y otras son covers: The Band y Jerry García se despidieron con homenajes. Algunos actos entregaron declaraciones finales definitivas sobre su grupo (Pink Floyd) o incluso la vida misma (Warren Zevon), mientras que otros brindaron una visión resonante de su último año de vida en el planeta (Freddie Mercury, Kurt Cobain).

Ya sea con un significado profundo o sin tener idea de la tragedia que se avecina, estas son las últimas canciones de 30 artistas legendarios.

"Ventana del ombligo", Jimi Hendrix

La última grabación de estudio que hizo Jimi Hendrix antes de su muerte fue una canción sobre el nacimiento. En realidad, Hendrix escribió la melodía de country blues sobre los meses previos al nacimiento, imaginando cómo sería para un feto en crecimiento observar a sus padres desde el punto de vista de una "ventana del ombligo".

Según los informes, la paternidad inminente del compañero de banda de Hendrix, Mitch Mitchell, fue el catalizador de la composición. Pero Hendrix pareció inspirarse en sus propios recuerdos infelices de la infancia para la letra, que sugiere a dos padres que están menos que emocionados con el embarazo: "Juro que no veo nada más que un montón de ceño fruncido / Y me pregunto si me quiere cerca".

Hendrix escribió la letra antes que la melodía, y las palabras se intentaron por primera vez con la melodía que se convertiría en "Midnight Lightning" en julio de 1970 en los nuevos estudios Electric Lady de Hendrix. El 22 de agosto, Hendrix grabó la versión final de blues como pieza solista, sobregrabando un wah-wah. El mismo día, pasó un tiempo considerando qué nuevas grabaciones conformarían su próximo álbum, uno que no viviría para ver lanzado.

Días después de la sesión, Hendrix, Mitchell y Billy Cox se fueron a tocar en el festival Isle of Wight de 1970 en el Reino Unido, seguido de más fechas de giras europeas en septiembre. Hendrix se fue menos de un mes después de dejar "Belly Button Window", asesinado por asfixia relacionada con las drogas a la edad de 27 años. La última grabación de Hendrix se convirtió más tarde en la canción de cierre de su primer LP póstumo, Cry of Love.

"Voy a gatear", Led Zeppelin

Según la mayoría de las versiones, las últimas sesiones de grabación de Led Zeppelin, para el álbum In Through the Out Door, fueron significativamente menos que armoniosas. Pero tenía más que ver con el estilo de vida de estrella de rock de algunos miembros que con la música.

Robert Plant y John Paul Jones, los miembros (relativamente) limpios de la banda, abrieron el camino en la mayor parte de las pistas del LP. Grabaron sus contribuciones durante el día en los estudios Polar de ABBA en Estocolmo, Suecia. Por la noche, Jimmy Page (en medio de la adicción a la heroína) y John Bonham (cada vez más dependiente del alcohol, la sustancia que lo llevó a la muerte) aparecieron para grabar sus partes.

"I'm Gonna Crawl" fue típico de las sesiones, ya que la canción era en gran parte una composición de Jones, creada a través de su sintetizador Yamaha GX-1 y con el estilo de "It's Too Late" de Wilson Pickett. La melodía influenciada por el soul no solo fue la última pista del álbum, sino que fue la última canción de Led Zeppelin grabada en el estudio. Bajo su título provisional, "Every Little Bit of My Love" (o "Blurt", "Blot" o "I Could Crawl"), la canción se grabó el 23 de noviembre de 1978. Solo quedaron las sobregrabaciones y la mezcla final. después.

Cuando se lanzó In Through the Out Door en agosto de 1979, había pocas sospechas de que sería el último álbum de estudio de Zeppelin. La banda no se separó hasta un año más o menos, después de que Bonham, muy ebrio, muriera después de vomitar mientras dormía el 25 de septiembre de 1980. Después de su muerte accidental a los 32 años, los miembros restantes emitieron un comunicado: "Deseamos que saber que la pérdida de nuestro querido amigo, y el profundo sentido de armonía indivisa que sentimos nosotros y nuestro gerente, nos han llevado a decidir que no podíamos continuar como estábamos".

Aunque Coda de 1982 introdujo material "nuevo" en forma de pistas sobrantes, "I'm Gonna Crawl" siguió siendo la última canción que los cuatro miembros de Led Zeppelin crearon en un estudio de grabación.

"Porque", los Beatles

Poner el dedo en la última canción grabada de los Fab Four no es una tarea sencilla. Hay más de una respuesta correcta, dependiendo de tu punto de vista.

Se podría decir que "Real Love" fue la última canción que los Beatles hicieron en el estudio, cuando Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr añadieron música nueva a una vieja cinta de John Lennon para el proyecto Anthology en febrero de 1995. Pero John ya lo había hecho. su parte antes de su muerte en 1980.

O podría justificar que la lista "I Me Mine" fue la última pista que los Beatles hicieron en el estudio, ya que se grabó para Let it Be el 3 de enero de 1970. Pero Lennon tampoco formó parte de esa sesión, ya que se fue silenciosamente. los Beatles unos meses antes. (Las armonías de tres partes de la canción fueron proporcionadas por Harrison, McCartney y Starr).

Podrías afirmar que "I Want You (She's So Heavy)" fue la última creación de estudio de los Beatles, porque la canción se finalizó el 20 de agosto de 1969, la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el estudio. Pero en realidad no grabaron la epopeya de Abbey Road ese día, sino que simplemente supervisaron la edición de la pista: unieron dos versiones diferentes de sesiones anteriores y terminaron la canción con un corte abrupto a pedido de Lennon.

Así que el mejor candidato para "última canción de los Beatles" es "Porque". Aunque otras pistas de Abbey Road (y Let it Be) posteriormente recibirían sobregrabaciones y ediciones (aunque nunca de los cuatro Beatles trabajando juntos), "Because" fue la última canción que los Beatles grabaron como cuarteto. Crearon la gran mayoría de la pista, incluida la guitarra, el clavicémbalo, el bajo y la voz, en Abbey Road Studios el 1 de agosto de 1969.

"Habiendo hecho la pista de fondo, John, Paul y George cantaron la armonía", recordó el productor George Martin en The Complete Beatles Recording Sessions. "Luego lo superpusimos dos veces más, creando una armonía de nueve partes en total, tres voces grabadas tres veces. Literalmente les estaba diciendo qué notas cantar".

Ahora, los fanáticos incondicionales de los Beatles pueden notar que Ringo no se puede escuchar en la canción sin percusión de Lennon, que presenta a los otros tres miembros cantando y tocando, junto con Martin en el clavicémbalo. Sin embargo, para mantener la guitarra de Lennon y el clavicémbalo de Martin al unísono, el baterista constante de los Beatles tocó un platillo alto en sus auriculares mientras grababan. Su forma de tocar como un metrónomo no estaba destinada a aparecer en la versión final de la pista.

Entonces, aunque no puedes escuchar a Starr entre las voces inquietantes y la instrumentación austera, hizo una contribución significativa a "Because", convirtiéndola en la última canción que los cuatro Beatles grabaron en el estudio.

"Caminando sobre hielo delgado", John Lennon

El último trabajo grabado de Lennon no estaba en una de sus propias canciones. Sus últimas sesiones las pasó trabajando en colaboración con su esposa Yoko Ono en su nuevo sencillo, "Walking on Thin Ice".

Double Fantasy acababa de convertirse en un gran éxito colaborativo para Ono y Lennon, quienes habían estado en un año sabático de la música pop desde mediados de los 70, y estaban decididos a completar las pistas sobrantes para nuevos sencillos y otro LP. La euforia llenó Hit Factory de Nueva York cuando se reunieron para trabajar con el productor Jack Douglas. Lennon incluso sacó su viejo Rickenbacker 325 de 1958 (el instrumento en blanco y negro que tan a menudo se le había visto agarrando en el apogeo de la Beatlemanía) para agregar partes de guitarra a la melodía dance-pop, y también algunos teclados, el 4 de diciembre. .

Cuatro días después, Lennon, Ono y Douglas agregaron los últimos toques a "Walking on Thin Ice" y luego volvieron a escuchar lo que habían hecho. Según Douglas, los tres sintieron que acababan de ser el primer gran éxito del pop de Ono.

"Realmente estábamos celebrando, los tres", dijo Douglas más tarde a Rolling Stone. "Estábamos celebrando el artículo de Soho News sobre Yoko [una entrevista ingeniosamente titulada "Solo Yoko"], y la nueva melodía, y la prensa que Yoko había estado recibiendo: Estábamos muy contentos por eso. Todo iba bien en ese punto. El lunes por la noche, parecía que todo estaba en marcha y perfecto".

Lamentablemente, la noche dio un giro horrible cuando Lennon y Ono regresaron a su residencia en Nueva York y el ex Beatle fue asesinado a tiros por Mark David Chapman. John estaba sosteniendo la mezcla final de "Walking on Thin Ice" cuando le dispararon y lo mataron. Tenía 40 años.

La canción, que encontró a Ono reflexionando sobre la imprevisibilidad de la vida, fue lanzada aproximadamente un mes después, el 6 de enero de 1981. "Walking on Thin Ice" incluía un sencillo tributo bajo el título de la canción en la portada del sencillo: "For John ."

"Caballo al agua", George Harrison

George Harrison sucumbió a su batalla contra el cáncer el 29 de noviembre de 2001 a los 58 años, pero no antes de completar una última grabación unos dos meses antes de morir.

Viajó a Suiza para grabar una canción que había escrito con su hijo Dhani Harrison titulada "Horse to the Water", respaldada por Jools Holland y su Rhythm & Blues Orchestra. Harrison no era el mejor amigo de Holland, pianista, presentador de televisión y antiguo miembro de Squeeze. De hecho, se habían conectado a través de amigos en común. Uno de los amigos más antiguos de Harrison era el músico británico Joe Brown, cuya hija Sam Brown había estado cantando recientemente con la Orquesta de R&B de Holanda.

Cuando Holland estaba planeando el proyecto estelar Small World, Big Band (también con la participación de Steve Winwood, David Gilmour y Sting, entre otros), la noticia llegó a Harrison, quien decidió que tenía la canción perfecta para el álbum: un número de blues. sobre la inutilidad de lograr que los humanos cambien. Cuando el 2 de octubre de 2001 se grabó la canción que hacía sonar los cuernos, el cáncer había debilitado a George hasta el punto de que no podía tocar la guitarra en la melodía. Pero pudo poner una voz fuerte, aunque cansada, en la canción que había escrito con su hijo.

"Horse to Water" se estrenó en diciembre de 2001, solo unos días después de la muerte de Harrison. Con un poco de humor negro astuto, George enumeró el editor de la canción como "RIP Limited, 2001" en lugar de sus "Harrisongs" habituales.

Un gran tributo llegó al año siguiente, cuando la Orquesta Rhythm & Blues de Holanda apareció en el Concierto para George en el primer aniversario del fallecimiento de Harrison. Tocaron la última canción grabada de Harrison, con Dhani Harrison en la guitarra acústica de Dhani Harrison y Sam Brown en la voz principal, rindiendo homenaje a un hombre que era una leyenda de la música y el amigo fallecido de su padre.

"Insignia", Crema

Eric Clapton, otro de los amigos de Harrison, se desempeñó como líder de la banda en el Concierto para George. Su amistad y colaboraciones musicales ocasionales se remontan a una época en que Harrison era un Beatle y Clapton estaba en el poderoso trío Cream.

En 1968, ambas bandas se estaban deshilachando en los bordes. De hecho, para ayudar a suavizar la tensión durante las sesiones del "Álbum Blanco" de los Beatles, Harrison invitó a Clapton como invitado, sabiendo que los demás se comportarían de la mejor manera con un extraño presente. (También obtuvo un solo de guitarra espectacular en "While My Guitar Gently Weeps").

Los Beatles superaron otro año de grabación y algunos álbumes más, pero Jack Bruce, Ginger Baker y Clapton decidieron que el 68 vería la última gira de Cream y grabaciones de estudio. Como despedida, la banda sacó un último LP (titulado Goodbye, solo para asegurarse de que no hubiera confusión sobre la situación) con material en vivo y una nueva grabación de estudio escrita por cada miembro. Por su contribución, Clapton recibió una importante ayuda de su amigo.

"Ayudé a Eric a escribir 'Badge', ¿sabes?", dijo Harrison más tarde. “Estábamos trabajando uno frente al otro y yo estaba escribiendo la letra y llegamos a la parte central, así que escribí 'Bridge'. Eric lo leyó al revés y se echó a reír: '¿Qué es BADGE?' dijo. Después de eso, Ringo entró borracho y nos dijo esa frase sobre los cisnes que viven en el parque.

Starr no recibió crédito oficial por su asistencia con el canto del cisne de Cream, ejem, y tampoco Harrison en las copias iniciales de Goodbye y el sencillo "Badge", un error que luego se corrigió. El último álbum de Cream incluyó a Harrison con el alias "L'Angelo Misterioso" por razones contractuales.

Harrison se unió a Bruce, Baker y Clapton en los Wally Heider Studios de Los Ángeles para establecer la pista básica de "Badge". Las sesiones, realizadas durante las fechas de la gira estadounidense de Cream en el otoño de 1968, fueron supervisadas por el productor Felix Pappalardi, quien también tocó los teclados en la melodía. Aproximadamente un mes después, "Badge" se completó con la adición de sobregrabaciones en Londres. La canción brillante y sin sentido se convirtió en la última canción de Cream en las listas de éxitos en América del Norte, Europa y Australia. No es una mala manera de salir.

"Navidad en Faluya", Billy Joel

Después de River of Dreams de 1993, Billy Joel dejó de hacer nuevos álbumes. No había terminado de actuar o hacer giras, pero en términos de crear música nueva (y el ciclo interminable de grabación, lanzamiento y promoción), Joel estaba prácticamente terminado.

Bastante, pero no del todo. Desde 1993, cada vez que Joel ha sumergido el dedo del pie en las aguas de nuevas melodías, ha sido un acontecimiento para sus fanáticos. En 2001, lanzó una colección de composiciones clásicas originales, aunque no tocó ni produjo la grabación. En 2006, Joel grabó "All My Life" en homenaje a su entonces esposa Katie Lee, y Columbia Records estaba muy emocionada de lanzar la primera canción pop de Joel en más de una década a tiempo para el Día de San Valentín de 2007.

Pero más tarde ese mismo año, Joel buscó grabar una nueva canción, esta vez con la intención de lanzarla al público. Consternado por la cantidad de tiempo que las Fuerzas Armadas de EE. UU. habían pasado en Irak y perturbado por la "sensación de alienación" que percibía en las cartas de los soldados estacionados en el Medio Oriente, uno de los compositores más exitosos de la música pop se vio impulsado a actuar. Escribió "Navidad en Faluya" en septiembre de 2007.

"Estaba en mi casa en Long Island y supe tan pronto como la escribí que no era la persona adecuada para cantarla", dijo Joel a Rolling Stone. "No es que esté tratando de distanciarme de lo que escribí, pero no pensé que mi voz fuera la correcta. Pensé que debería ser alguien de la edad de las personas que estaban sirviendo allí".

Joel reclutó a Cass Dillon, un artista más joven, para cantar en la grabación, producida en el otoño de 2007 y lanzada como sencillo digital el 4 de diciembre. Las ganancias se donaron a Homes for Our Troops, una organización benéfica que construye casas para veteranos heridos en las guerras estadounidenses del siglo XXI. Aproximadamente un año después, Joel gruñó su propia letra para una versión en vivo de "Christmas in Fallujah", grabada en Australia y lanzada como un sencillo separado dedicado a las tropas australianas y estadounidenses que sirven en el extranjero. Mientras que algunos fanáticos estaban encantados con la perspectiva de nuevo material de Joel, otros se sorprendieron de que un artista que había mantenido su trabajo apolítico estuviera opinando sobre los acontecimientos actuales.

"La gente puede tomarlo como quiera", dijo Joel en ese momento. "No me subo a una tribuna y hago mensajes políticos. Creo en hablar sobre el ser humano y las condiciones en las que se encuentran los humanos... Creo que si un artista siente algo fuerte por algo, debe reflejarse en su arte". Hasta la fecha, Joel no se ha vuelto a sentir lo suficientemente fuerte como para grabar y lanzar nuevas canciones, por lo que esta colaboración es su último trabajo de estudio conocido, por ahora.

"Riders on the Storm", The Doors (con Jim Morrison)

Después de la muerte de Jim Morrison el 3 de julio de 1971, los Doors lanzaron tres álbumes de estudio más: dos sin su inquietante líder (Other Voices y Full Circle) y uno que empleó poesía, fragmentos hablados y presentaciones en vivo que Morrison grabó antes de su muerte (An American Oración). Pero para la mayoría de la gente (incluso Ray Manzarek, que puso una gran cantidad de energía en resucitar a su antigua banda en los años 90 y 2000), los Doors terminaron una vez que Morrison se fue.

Desde esa perspectiva, "Riders on the Storm" es la última grabación de estudio de la banda. Realizado en diciembre de 1970, presenta el último trabajo que Manzarek, Robby Krieger y John Densmore hicieron para el LP LA Woman y la última voz de Morrison con los Doors.

"Robby y Jim estaban tocando, improvisando algo de 'Ghost Riders in the Sky'", dijo Manzarek a Uncut en 2011. "Propuse la línea de bajo y la parte de piano; el estilo de jazz fue idea mía. Jim ya tenía la historia sobre un autoestopista asesino en la carretera".

La misteriosa epopeya de The Doors no se trataba simplemente de un asesino en serie (aunque Morrison había mencionado al asesino que hacía autostop, Billy Cook, en una entrevista), sino que también trataba sobre el amor y la lealtad. Morrison se revolcó en la oscuridad para pronunciar su voz, pero sus compañeros de banda afirmaron que estaba más concentrado de lo que había estado en años durante las sesiones de cinco días de LA Woman, que se produjeron al final de un año difícil que incluyó su infame arresto por exposición indecente. . El coproductor Bruce Botnick recuerda que fue Morrison quien expresó su deseo de hacer que "Riders on the Storm" fuera aún más cinematográfica.

"A todos se nos ocurrió la idea de los efectos de sonido y Jim fue el primero que lo dijo en voz alta: '¿No sería genial agregar lluvia y truenos?'", dijo Botnick en 2011. "Usé el sonido de Elektra grabaciones de efectos y, mientras mezclábamos, simplemente presioné el botón. Serendipity funcionó para que todos los truenos llegaran a los lugares correctos. Te llevaba a algún lugar. Era como una mini película en nuestras cabezas".

Luego, Densmore tuvo la idea de que Morrison grabara una segunda voz susurrada además de la cantada tradicionalmente. Era a la vez una forma diferente de agregar eco a la voz de Morrison y otra adición espeluznante a la grabación. Esa versión susurrada de la letra fue lo último que hizo con los Doors.

"¿Qué tan profético es eso? Un susurro que se desvanece en la eternidad, donde está ahora", reflexionó Manzarek más tarde. "Viéndolo desde afuera, puedes ponerle un pequeño lazo y verlo como nuestra última actuación, pero para nosotros solo estábamos jugando. Rápido, duro y rockero, pero también genial y oscuro".

"Riders on the Storm" también fue el último sencillo de Doors que se lanzó durante la vida de Morrison. Se convirtió en un éxito de Billboard la misma semana de 1971 en que fue encontrado muerto en un apartamento de París a los 27 años.

"Blue Yodel #9", Jerry García

Para 1995, una vida de problemas de salud y abuso de drogas había pasado factura a García. La leyenda de Grateful Dead ya no confiaba tanto en sus habilidades para tocar ni tenía tantas ganas de actuar, aunque García aceptó participar en un álbum tributo a Jimmie Rodgers que estaba curado por su amigo Bob Dylan.

Al igual que Dylan, García contó con "Singing Brakeman" entre sus influencias y había versionado "Blue Yodel #9 (Standing on the Corner)" en los años 80 con Jerry Garcia Band. Entonces, cuando Dylan llamó, García sabía exactamente qué canción contribuiría a la colección. Simplemente no sabía que terminaría siendo su última grabación de estudio.

García no grabó el clásico de Rodgers con The Dead, sino con otros amigos musicales de mucho tiempo, incluido el mandolinista David Grisman y el bajista John Kahn. "Fue algo de última hora", dijo Grisman al San Francisco Chronicle en 1997.

A fines de julio de 1995, García llamó a Grisman y le preguntó si podría organizar una grabación en el estudio de la casa del músico que toca la mandolina. García quería hacer la sesión al día siguiente, pero Grisman tenía otros compromisos que hicieron que la sesión se retrasara. Eventualmente se juntaron el domingo siguiente, el día antes de que García se internara en la Clínica Betty Ford en uno de los muchos intentos por estar limpio.

Ninguno de los reunidos en el estudio de Grisman, incluidos el baterista George Marsh y la intérprete de dobro Sally Van Meter, tenían idea de antemano de que grabarían la melodía de Rodgers. Afortunadamente, Grisman tenía una copia de "Blue Yodel #9" y pudo transcribir la letra para su amigo. "Esta es la forma en que solíamos hacer las cosas, en realidad", admitió Grisman.

El quinteto hizo cinco versiones bluegrassy de la canción, sintieron que lo hicieron bien y se separaron. García partió a rehabilitación a la mañana siguiente, aunque no mencionó este plan a sus colaboradores. Murió de un ataque al corazón a las pocas semanas, sufrido el 9 de agosto de 1995 mientras estaba en una clínica de rehabilitación diferente. García acababa de cumplir 53 años.

Grisman ahora tenía posesión de esta grabación final, e hizo todo lo posible para hacer lo correcto con la historia y terminar la pista (agregando un preludio con Kahn y sobregrabando metales) antes de entregársela a la gente de Dylan para Songs of Jimmie Rodgers: A Tribute. El álbum, con el último trabajo de estudio de García, salió en agosto de 1997.

La portada de "Blue Yodel #9" también presentó algunos de los últimos trabajos de estudio de Kahn, quien murió en 1996 de un ataque al corazón. Reflexionando sobre la sesión de grabación del domingo por la mañana un par de años después, Grisman podría haber sentido que el final estaba cerca: "Ninguno de los dos se veía realmente bien ese día".

"Sabes que tienes razón", Nirvana

Los miembros de Nirvana no esperaban sacar mucho provecho de las sesiones que resultaron en la última canción grabada de la banda. No reservaron una cantidad significativa de tiempo de estudio. No estaban planeando hacer un nuevo álbum. Fue solo un fin de semana de sesiones en Seattle entre las etapas de su gira 1993-94.

"Esa sesión fue una especie de vuelo nocturno", recordó Dave Grohl en 2004. "Recuerdo estar de gira y Kurt [Cobain] hablando sobre querer ir a un estudio y grabar algunas cosas".

Grohl, Cobain y Krist Novoselic originalmente pensaron que podrían aterrizar en el Studio X de Seattle antes de que Grohl sugiriera visitar un estudio que estaba a un par de cuadras de donde vivía. Robert Lang Studios en el norte de Seattle resultó ser esta enorme instalación subterránea que tenía techos de 24 pies de altura tallados en una ladera. La banda reservó "Bob's Bunker", como Novoselic apodó el lugar, del 28 al 30 de enero de 1994.

Cobain no se presentó durante los primeros dos días, por lo que Grohl y Novoselic jugaron con cosas instrumentales y tocaron parte de su propio material, incluidas versiones de futuras canciones de Foo Fighters "Big Me" y "February Stars". Cobain finalmente apareció el día 30. Después de escuchar algunos de los resultados de los días anteriores y dar su aprobación al sonido del estudio, se puso a trabajar con sus compañeros de banda.

"Kurt llegó el último día y dijimos, 'Está bien, ¿qué quieres hacer?'", Dijo Grohl a Studio Brussel en 2014. "Y Kurt dijo: 'Bueno, ¿por qué no hacemos esa canción que tenemos? estado haciendo en la prueba de sonido? Así que lo ensayamos, creo, una vez, y luego lo grabamos".

La canción sin título recibió el apodo de estudio "Kurt's Tune #1" en ese momento. Era algo que se había unido en el transcurso de la gira de otoño para promocionar In Utero. La canción abrasiva y dinámica solo había hecho una aparición en un set oficial, durante un show en octubre en Chicago. "Lo bombardeamos juntos rápido", recordó Novoselic en Más pesado que el cielo. "Kurt tenía el riff, lo trajo y lo dejamos. Lo nirvanaizamos".

La grabación se armó rápidamente, aunque no fue una maravilla de una sola toma, como algunos sugirieron más tarde. Buscando una introducción interesante a la canción después de un par de tomas, a Cobain se le ocurrió el distintivo sonido de repique que abre y cierra la grabación final tocando las cuerdas tensas sobre la cejilla (o debajo del puente) en su guitarra Univox. Más tarde ese día, Cobain grabó la letra de la canción que se conocería como "You Know You're Right".

Aparte de una jam session, eso fue todo. Nirvana hizo las maletas, Novoselic tomó posesión de las cintas del fin de semana y la banda se dirigió a Europa esa semana para una serie de shows en vivo que resultaron ser los últimos de Nirvana. Cobain fue encontrado muerto el 8 de abril de 1994. Tenía 27 años.

"You Know You're Right" acumuló polvo en la casa de Novoselic durante algunos años antes de que él y Grohl tuvieran la idea de lanzar la última grabación de estudio de Nirvana como parte de una caja. Sin embargo, inicialmente fueron bloqueados por la viuda de Cobain, Courtney Love. Con el tiempo, finalmente acordaron publicar la canción como el sencillo principal de un álbum de grandes éxitos de Nirvana, titulado simplemente Nirvana y lanzado en octubre de 2002. Casi nueve años después de que se grabara, "You Know You're Right" mostró el espíritu de la banda. relevancia duradera, ya que el sencillo se convirtió en un éxito de radio, gráficos y videos y ayudó a que la compilación fuera multiplatino en todo el mundo.

"De camino a casa", Buffalo Springfield

Cuando Buffalo Springfield lanzó su tercer álbum, Last Time Around, el 30 de julio de 1968, la banda ya no era una banda. Habían existido en tiempo prestado desde al menos el año anterior, principalmente debido a problemas con Neil Young y Bruce Palmer. El primero tenía un tenue compromiso de tocar y grabar con la banda (fue reemplazado por David Crosby para una actuación en el Monterey International Pop Festival), mientras que el segundo tenía la habilidad de ser arrestado por posesión de drogas.

A medida que se acumulaban sus arrestos, Palmer fue deportado a su Canadá natal en 1967 y reemplazado temporalmente en Buffalo Springfield, hasta que regresó a California más tarde ese año. Young volvió al grupo con el regreso de Palmer. Aunque el grupo no estaba destinado a mantenerse unido por mucho tiempo, siguieron tocando y grabando.

La grabación final con los cinco miembros originales (Young, Palmer, Stephen Stills, Richie Furay y Dewey Martin) fue "On the Way Home", de tempo medio y con inflexiones de R&B, una melodía escrita por Young y grabada por Buffalo Springfield entre mediados de -Noviembre y mediados de diciembre de 1967 en los estudios Sunset Sound de Los Ángeles.

Poco tiempo después, Palmer tuvo otro arresto por drogas y fue nuevamente deportado de los Estados Unidos. Esta vez, fue reemplazado permanentemente en el bajo por Jim Messina, quien también estaba produciendo el próximo LP de Buffalo Springfield. Aún así, eso fue como usar el pegamento de Elmer para prevenir la deriva continental. Young nuevamente perdió interés y Last Time Around fue improvisado en su mayoría por Furay y Messina de varias sesiones que abarcaron 1967-68. Ningún miembro de la banda aparece en las 12 pistas del álbum, con Young en solo la mitad, Martin en menos que eso y Palmer solo tocando en una. Después de un concierto en mayo de 1968 en el Long Beach Arena, Buffalo Springfield terminó.

"On the Way Home" se convirtió en el último sencillo de la banda, un éxito modesto en el verano del 68, aunque nada parecido a "For What It's Worth", y Buffalo Springfield se dividió en proyectos que habrían tenido un éxito sostenido. Furay y Messina formaron el país. -la banda de rock Poco, Stills se convirtió en parte de Crosby, Stills y Nash (a veces incluyendo a Young) y Young comenzó su carrera en solitario.

"Mercedes Benz", Janis Joplin

"¡Eso es todo!" Janis Joplin anunció, seguido de una carcajada, al final de "Mercedes Benz". Estos serían los momentos finales grabados por una de las cantantes más queridas de la música, en una canción que mostró con tanta indiferencia su contagioso sentido del humor y su notable talento.

A Joplin se le ocurrió la melodía tonta un par de meses antes de que ella la grabara en agosto de 1970, entre presentaciones en Port Chester, Nueva York. Durante una sesión de bebida con el músico amigo Bob Neuwirth y los actores Rip Torn y Geraldine Page, Janis siguió cantando la primera línea de una canción del poeta Michael McClure: "Vamos, Dios, y cómprame un Mercedes-Benz". Más rondas de tragos la ayudaron a extrapolar el verso solitario a una composición más larga, con Joplin pidiéndole con humor a su creador un televisor a color y "una noche en la ciudad". Neuwirth ayudó y escribió la letra en una servilleta de bar.

"Estábamos todos sentados golpeando jarras de cerveza en la mesa y cantando lo que existía de la canción, que eran las primeras líneas, y la terminamos en este bar", recordó Neuwirth a Yahoo! Música en 2013. Poco después, Joplin se enteró de que necesitaba estar en el escenario para su segunda actuación, durante la cual "comenzó a cantar esta canción, sola, a cappella".

Janis interpretó "Mercedes Benz" un par de veces en la gira antes de ir a los estudios Sunset Sound de Los Ángeles en septiembre para grabar su próximo álbum, que se convertiría en el lanzamiento póstumo, Pearl. La cantante no necesariamente tenía planes de grabar su canción de minuto y medio anti-consumista, pero cuando el equipo de múltiples pistas más complicado se descompuso el 1 de octubre, ocupó el tiempo grabando "Mercedes Benz". La cantó sola ya cappella, como en un concierto, en la grabadora de respaldo de dos pistas del estudio.

"Es solo el poder puro de su carisma lo que hace que sea notable", dijo Neuwirth. "La pequeña risa al final, es tan Janis, y eso fue más indicativo de la mujer que cualquier cosa que se haya escrito sobre ella. Quiero decir, era una chica divertida".

Lamentablemente, esa risa sería el último trabajo grabado de Joplin. Tres días después, el 4 de octubre de 1970, fue encontrada muerta por una sobredosis de heroína a la edad de 27 años. Con las sesiones de Pearl incompletas, "Mercedes Benz" fue incluida en la lista de canciones del LP, simplemente porque no había n otras opciones. La melodía a capella se lanzó en el álbum en enero de 1971 y como cara B del sencillo "Cry Baby" el mismo año, y finalmente superó a la cara A para convertirse en una de las canciones más conocidas de Joplin. "¡Eso es todo!"

"Amor de madre", Freddie Mercury (con Queen)

La salud de Freddie Mercury se tambaleaba gravemente después del final del trabajo en Innuendo, lanzado en febrero de 1991. Sufriendo los efectos del SIDA, el otrora dinámico líder estaba cada vez más cansado y débil. Mercury sabía que no viviría lo suficiente para completar el próximo LP de la banda, pero podía ayudar a sus compañeros de banda a comenzar.

"Habíamos tenido las discusiones y sabíamos que estábamos totalmente en tiempo prestado porque le habían dicho a Freddie que no llegaría a ese punto", dijo Brian May en el documental Queen: Champions of the World. "Creo que nuestro plan era ir allí cada vez que Freddie se sintiera lo suficientemente bien, solo para aprovecharlo tanto como fuera posible; básicamente vivimos en el estudio por un tiempo y cuando llamaba y decía: 'Puedo ir en unas pocas horas', nuestro plan era hacer el mayor uso posible de él. Sabes que nos dijo: 'Hazme cantar cualquier cosa, escríbeme cualquier cosa y la cantaré y te dejaré tanto como me sea posible'".

Una de esas cosas fue "Mother Love", la última canción coescrita por Mercury y May y la última voz que grabó la cantante. La letra da una idea del dolor y la tristeza que sentía Freddie (y que May estaba presenciando) durante el último año de vida del cantante. Llora por "consuelo y cuidado", ruega por amor y suplica: "Anhelo la paz antes de morir".

Mercury grabó estas palabras a mediados de mayo de 1991 en la base de grabación de Queen en Mountain Studios en Montreux, Suiza. Pero dejó la canción sin terminar porque simplemente no podía empujar más su cuerpo. Mercurio estaba a solo seis meses de morir.

"Después de que terminó el segundo verso, dijo: 'Oh, no me siento muy bien. Me iré a casa y lo terminaremos mañana', y nunca lo hizo", dijo May en Days of Nuestras vidas. "Esa fue la última vez que vi a Freddie en el estudio".

Mercury murió el 24 de noviembre de 1991 a la edad de 45 años. Aproximadamente dos años después, los miembros restantes de Queen (May, John Deacon y Roger Taylor) se reagruparon para terminar esas grabaciones finales, así como parte del material de sesiones anteriores. May cantó el verso final de "Mother Love" en ausencia de Mercury. Esto fue seguido por el sonido de una canción del famoso espectáculo de Queen de 1986 en el estadio de Wembley, fragmentos de hipervelocidad de cada una de las canciones de la banda y una muestra de 1972 de Freddie cantando: "Creo que voy a volver a las cosas que aprendí". tan bien en mi juventud". El llanto de un bebé completó el círculo de vida que los integrantes de Queen pretendían transmitir en homenaje a su amigo caído.

"Mother Love" fue lanzado en Made in Heaven, el decimoquinto y último álbum de estudio de Queen, en noviembre de 1995, poco menos de cuatro años después de la muerte de Mercury.

"Jacksonville Kid", Ronnie Van Zant (con Lynyrd Skynyrd)

El líder de Lynyrd Skynyrd, Ronnie Van Zant, creció escuchando música country en la radio. A medida que crecía, gravitó cada vez más hacia las estrellas del country que se calificaban a sí mismas como forajidas, artistas como Waylon Jennings y, especialmente, Merle Haggard. Este último siguió siendo el músico de referencia de Van Zant en el autobús de la gira, hasta bien entrada la exitosa carrera de Skynyrd a mediados de los 70.

"El chico favorito de Ronnie era Merle Haggard, y lo escuchaba todos los días", dijo el guitarrista de Skynyrd, Gary Rossington, a CMT en 2009. "Me encantaba. Billy [Powell, teclista] solía pelear con él. Le gustaban Yes y Emerson, Lake & Palmer, y cosas de teclados. Pero escuchamos las buenas viejas cosas".

Entonces, la primera versión de Haggard grabada en estudio de Lynyrd Skynyrd tardó mucho en llegar. Cuando Van Zant y sus compañeros de banda seleccionaron "Honky Tonk Night Time Man" para las sesiones de Street Survivors en 1977, no fue un movimiento inesperado para una banda que combinaba el acento y la narración de la música country con el asalto auditivo del rock 'n' roll. .

Aunque la versión de la banda de la canción de Haggard de 1974 apareció en el álbum final de la versión original de Lynyrd Skynyrd), Van Zant también jugó con una colaboración virtual de composición con su héroe de la música country. Utilizando la melodía "Honky Tonk" de Haggard, Van Zant escribió una nueva letra autobiográfica de la melodía centrada en su ciudad natal. Llamó a la canción "Jacksonville Kid".

En lo que se cree que es la última voz de estudio de Van Zant, cantó sobre el amor a su ciudad, a pesar de sentirse fuera de lugar entre su escena disco o incluso no deseado por algunos de los residentes. "Señor, estoy en sus carteles de búsqueda", cantó Van Zant, ansioso por encarnar la imagen de forajido de Haggard. "No puedo mostrar mi cara en la ciudad". La canción perdió ante la versión de Lynyrd Skynyrd del original de Haggard para el corte final de Street Survivors, y "Jacksonville Kid" no se lanzó oficialmente hasta 2000.

Solo unos meses después de grabar la canción en agosto de 1977, Van Zant fue una de las seis personas que murieron cuando el avión de gira de Lynyrd Skynyrd se quedó sin combustible entre paradas y se estrelló en Mississippi el 20 de octubre, solo unos días después del lanzamiento del nuevo álbum de la banda. álbum. Van Zant tenía 29 años. En su funeral en Florida, la familia de Van Zant hizo tocar "I Take a Lot of Pride in What I Am" de Merle Haggard para la triste ocasión. The Jacksonville Kid fue fanático de Haggard hasta el final.

"Dado todo lo que puedo ver"/"Aquí viene otra vez", Tom Petty (con Chris Hillman)

Cuando Tom Petty murió a la edad de 66 años el 2 de octubre de 2017, el último gran proyecto de estudio en el que había trabajado no era ni un nuevo disco de Heartbreakers ni una oferta en solitario. Fue el último álbum del ex miembro de Byrds, Chris Hillman. Bidin' My Time se grabó en 2017 y se lanzó poco antes de la muerte de Petty por toxicidad de drogas mixtas.

Hillman, que también estaba en Flying Burrito Brothers, Manassas y Desert Rose Band, le dio crédito a Petty (junto con su viejo amigo Herb Pedersen) por convencerlo de hacer su primer álbum de estudio desde 2005. Petty accedió a producir Bidin' My Time. en su propio estudio.

"No pensé que volvería a hacer otro disco", dijo Hillman a Billboard antes de que se lanzara el álbum. "Esto acaba de llegar a través de Herb y Tom Petty... Después de tener una larga conversación con Tom en el otoño de noviembre, le dije: '¿Estás seguro de que quieres hacer esto?' ¿quieres que yo?' … Él dijo: 'Genial, usaremos mi antiguo estudio y todo'. … En general, fue una alegría. Nunca me había divertido tanto grabando”.

Petty no solo produjo las sesiones, sino que no pudo evitar unirse un poco, tocando la armónica en "Given All I Can See" (que Hillman llamó su canción favorita del disco) y contribuyendo con la guitarra eléctrica en "Here She Comes". Again" (una canción que Hillman había escrito con el ex compañero de banda de Byrds, Roger McGuinn, pero que nunca grabó correctamente).

Se cree que estas dos canciones son las últimas grabaciones de estudio de Petty. Aunque ninguno se hizo con la banda completa de Heartbreakers, Tom contó con la ayuda de su grupo para el proyecto Hillman. Por ejemplo, Benmont Tench tocó el órgano en "Here She Comes Again", Steve Ferrone tocó la batería en ambas pistas en las que Petty y el guitarrista Mike Campbell aparecieron en otros lugares. Además, Hillman hizo una versión de "Wildflowers" de Petty en el álbum.

Eso parecía un guiño a los elogios y el apoyo que Petty les dio a los Byrds a lo largo de su carrera, desde la producción de discos de ex miembros hasta versiones de Byrds como "I'll Feel a Whole Lot Better" y "So You Wanna Be a Rock 'n". 'Roll Star' con los Heartbreakers. Después de la muerte de Petty, Hillman expresó su eterna gratitud por la música, la colaboración y la amistad de Petty. "Quería mucho a Tom. Fue una gran bendición en mi vida", dijo Hillman. "Tom conmovió a todos con su hermosa música".

"Little Martha", Duane Allman (con la Allman Brothers Band)

Esta suave maraña de guitarras acústicas fue la primera canción que Duane Allman escribió para la Allman Brothers Band. "Little Martha" también fue la última canción que grabó en un estudio.

En el otoño de 1971, los Allman estaban ocupados, después de grabar un par de álbumes de estudio y poco a poco hacerse un nombre en el circuito de giras, el grupo finalmente se hizo grande con el legendario álbum en vivo At Fillmore East. Entre fechas en un calendario de gira congestionado, los Allman Brothers intentaron grabar cosas para un álbum de seguimiento cada vez que tenían unos días libres de la carretera.

Un descanso en octubre le dio a Duane, Gregg Allman, Dickey Betts, Berry Oakley, Jai Johanny Johanson y Butch Trucks la oportunidad de ir a Criteria Studios de Miami para grabar con el productor Tom Dowd. Allí, los Allman hicieron sus últimas grabaciones con Duane (todas aparecerán en la cara tres de Eat a Peach de 1972): "Stand Back", "Blue Sky" y "Little Martha".

Duane afirmó que la melodía del último se le ocurrió en un sueño. Poco después de la muerte de Jimi Hendrix en 1970, el subconsciente de Allman colocó a los dos grandes de la guitarra en el baño de un Holiday Inn. Allman recordó que Hendrix lo acompañó hasta un fregadero que tenía habilidades musicales especiales.

"Jimi se inclinó hacia el grifo plateado, lo giró suavemente y siguió jugando y girando, y mientras lo hacía, salió flotando un hermoso riff de guitarra", dijo Galadrielle Allman, hablando del sueño de su padre en Please Be With Me: A Song for. Mi padre, Duane Allman. "La melodía que le dio Jimi fue la semilla de 'Little Martha'".

La melodía fue un regalo del mundo de los sueños de Hendrix, pero el título (y, tal vez, el estado de ánimo) provino de algo más tangible. Algunos han sugerido que "Little Martha" se refiere a Martha Ellis, una niña de 12 años enterrada e inmortalizada en una estatua en el cementerio Rose Hill en Macon, Georgia. Otros confían en que "Martha" era el apodo de Duane para su amante Dixie Meadows. , por su preferencia por la ropa antigua y porque la naturaleza pacífica de la canción estaba dedicada a ella.

Independientemente de la inspiración, Allman, Betts y Oakley grabaron "Little Martha" a principios de octubre de 1971. Al escuchar los resultados, la banda decidió que el bajo de Oakley era demasiado pesado para la canción y su parte se mezcló con la versión de Eat a Peach.

Unas semanas después de las sesiones de Miami, el 29 de octubre, Duane Allman murió tras un accidente de motocicleta en Macon. Tenía 24 años. El guitarrista fue enterrado en Rose Hill, el mismo lugar de descanso, quizás de "Little Martha".

"Avalon", Roxy Music

La inspiración para el último álbum de estudio de Roxy Music incluyó la leyenda del Rey Arturo, paisajes en Irlanda (donde el líder Bryan Ferry comenzó a escribir material para el LP) y los hábitos de drogas de los miembros de la banda. Los tres se combinaron para la estética mística y mítica del álbum, o "cosas espaciadas", como lo describió una vez el guitarrista Phil Manzanera.

Aunque Roxy Music había grabado una versión de "Avalon" durante la mayor parte de la grabación en Compass Point Studios en las Bahamas, cuando las sesiones se trasladaron a Power Station en Manhattan (para terminar y mezclar), el coproductor Rhett Davies y la banda descubrieron que la grabación simplemente no estaba a la altura del resto del material. Como tema principal del LP, solo había una cosa que hacer.

"Con la canción 'Avalon', tuvimos que volver a grabar toda la canción justo al final del álbum", dijo Davies a Sound on Sound en 2003. "Entonces, mientras mezclábamos, volvimos a grabar toda la canción con un ritmo completamente diferente Lo terminamos el último fin de semana que estuvimos mezclando".

En medio de las fantasías artúricas y soñadoras del paraíso de Ferry, se manifestó un sutil ritmo de reggae: el resultado, supuso una vez Manzanera, de haber grabado en los mismos estudios que Bob Marley a mediados de los 70. La canción desarrolló un toque extra caribeño con la incorporación de un corista.

"En el tiempo tranquilo del estudio, solían dejar que las bandas locales entraran para hacer demostraciones", dijo Davies sobre Power Station. "Bryan y yo salimos a tomar un café y escuchamos a una chica cantando en el estudio de al lado. Era una banda haitiana que había venido a hacer algunas demostraciones, y Bryan y yo nos miramos y dijimos: '¿Qué? ¡una voz fantástica! Ese resultó ser Yanick Etienne, quien cantó todas las cosas altas en 'Avalon'. Ella no hablaba ni una palabra de inglés. Su novio, que era el mánager de la banda, entró y tradujo. Y luego, al día siguiente, lo mezclamos".

Con un nuevo ritmo y un nuevo vocalista agregado a la pista, tanto Avalon como su canción principal estaban completos. Lanzado en mayo de 1982, el octavo álbum de platino de Roxy Music le valió a la banda tanto éxito comercial como de crítica antes de que se separaran en 1983. Algunos de los miembros de Roxy se reunieron en el siglo XXI y supuestamente grabaron material nuevo, pero aún no ha sido escuchado por el público. , dejando "Avalon" como su última grabación oficial de estudio.

"Midnight Rambler", Brian Jones (con los Rolling Stones)

Los Rolling Stones nunca habrían existido si no hubiera sido por Brian Jones. Pero a medida que la banda se alejó de las versiones de blues y R&B hacia el material del equipo de compositores de Mick Jagger y Keith Richards, Jones comenzó a sentirse cada vez menos integral.

Fue una salida larga y lenta de 1967 a 1969, marcada por la dependencia de Jones a las drogas, una especie de triángulo amoroso entre Jones, Keith Richards y Anita Pallenberg, y la disminución de la falta de interés de Jones en los Stones (y viceversa). Aunque Jones hizo algunas contribuciones musicales significativas a los lanzamientos de la banda en esos años, a menudo tocando una variedad de instrumentos, a veces tampoco podía actuar y cada vez más ni siquiera se presentaba a las sesiones de grabación.

Su tiempo con los Stones terminó con un gemido. Las contribuciones finales de Jones a un lanzamiento de estudio de los Rolling Stones llegaron en forma de arpa automática tocada en "You Got the Silver" y congas en "Midnight Rambler". Ambas canciones aparecieron más tarde en Let it Bleed, convirtiéndolo en el único LP de estudio de los Rolling Stones que presenta el trabajo de Jones y su reemplazo, Mick Taylor.

"You Got the Silver" se grabó en febrero del 69, y "Midnight Rambler" se hizo en la segunda quincena de abril en Olympic Sound Studios en Londres. Mientras que el autoharp es audible en el primero, la contribución de la conga de Jones en el segundo no lo es. Incluso se ha rumoreado que Jones nunca jugó tal papel en la pista de blues de varias partes y que los Rolling Stones simplemente lo acreditaron por ser amable.

Pero "agradable" no era realmente el tenor de la relación entre Jones y la banda en ese momento. Después de todo, este era el hombre que tontamente había dejado el Jaguar de la banda en la calle para que lo remolcaran, no se presentaba con frecuencia a los compromisos de los Rolling Stones y había sido arrestado por cargos de drogas, dos veces, probablemente acabando con cualquier oportunidad que tenía. obtener una visa para recorrer los EE. UU., lo que planeaban hacer pronto.

En junio de 1969, los otros cuatro Stones expulsaron a Jones de la banda (aunque pudo salvar las apariencias al anunciar su propia partida) y lo reemplazaron con Taylor. Menos de un mes después de que se separó de los Rolling Stones, Jones fue encontrado muerto en su piscina a la edad de 27 años, con evidencia de abuso de drogas y alcohol, aunque el forense determinó infamemente que la causa de su fallecimiento fue " muerte por desgracia".

Sigue existiendo cierta controversia con respecto a las circunstancias de la muerte de Jones, al igual que nadie está completamente seguro de que haya grabado una parte de conga para "Midnight Rambler". Pero sigue siendo, oficialmente, su última desventura en el estudio de grabación.

"La pasión por los viajes", Lou Reed (con Metric)

Como un puñado de otras leyendas en esta lista, la última grabación de estudio conocida de Lou Reed no fue para uno de sus propios proyectos, sino un favor para un amigo. En 2010, Reed se había cruzado con Emily Haines de los rockeros independientes canadienses Metric durante los Juegos Olímpicos de Invierno de Vancouver. Asombrado por las estrellas, Haines se sorprendió al descubrir que Reed era un admirador de su música y los dos se hicieron amigos.

Haines actuó con Reed en los años siguientes en un par de eventos, lo que estrechó su vínculo. Entonces, cuando Metric estaba grabando su álbum Synthetica de 2012 en Electric Lady Studios en la ciudad de Nueva York y se metió en problemas con "The Wanderlust", Haines sabía exactamente quién podía mejorar la pista.

"Cuando la canté, o los chicos la cantaron, fue como, '¿qué es esto... Glee?'", dijo Haines a Spinner. "Esto no está funcionando, pero necesitábamos expresar este sentimiento de seguir adelante. Llamé a Lou y dijo que sí".

Reed le pidió que cantara la canción completa con Haines, con sus micrófonos uno frente al otro en el estudio. Así lo grabaron, aunque Metric terminó usando solo la voz de Reed para el estribillo en la versión de "The Wanderlust" que se editó en Synthetica.

"Pensamos que tenía que ser un momento, no sobresalir del registro", dijo Haines. "En algún momento tal vez lancemos esa versión".

Al año siguiente, el 27 de octubre de 2013, Reed murió de una enfermedad hepática a los 71 años, dejando un rico legado musical y una última grabación en un álbum de Metric.

"No te quedes tan cerca de mí '86", la policía

Después de su exitosa gira para promocionar Synchronicity, The Police hizo una pausa en 1984. Sting comenzó su carrera en solitario, Stewart Copeland trabajó en el cine y Andy Summers grabó un disco con Robert Fripp. Aunque el trío se mantuvo en silencio en ese momento, dada la relación conflictiva entre los miembros, era posible que la Policía hubiera terminado.

A pesar del éxito en solitario de Sting (y un instinto que le decía que era hora de ir más allá de la banda que lo había convertido en un nombre familiar), accedió a reagruparse con Copeland y Summers para algunos shows en junio de 1986 para apoyar a Amnistía Internacional. Las actuaciones tuvieron altibajos, pero fueron lo suficientemente bien como para que la Policía se encontrara de regreso en el estudio en julio.

Supuestamente, las sesiones eran para que el trío volviera a grabar parte de su material más conocido para un álbum planeado de grandes éxitos, aunque la gerencia reservó tiempo extra con la idea de que los músicos se unirían una vez más y producirían material nuevo. Tal vez, incluso comenzarían el próximo álbum de Police. Pero cualquier esperanza de esto se desvaneció el día antes de que comenzara el tiempo de estudio, cuando el baterista Copeland se rompió la clavícula jugando al polo.

"El estudio estuvo reservado durante tres semanas", dijo Summers a Rolling Stone en 2007. "Si Stewart no se hubiera caído de su maldito caballo, nos habríamos atascado y de eso podría haber surgido algo nuevo. En cambio, teníamos un Synclavier y un Fairlight y una gran pelea sobre cuál era mejor".

The Police tenía un historial de peleas de estudio, y estas sesiones solo continuaron la tendencia. Debido a que Copeland no podía tocar la batería, el trío se basó en la batería electrónica para una versión reelaborada de su éxito de 1980, "Don't Stand So Close to Me". Copeland prefirió usar su teclado de muestreo Fairlight CMI para programar la batería, mientras que Sting exigió que el grupo usara el Synclavier porque le gustaba más ese teclado.

El grupo accedió a los deseos de Sting, pero cuando un ingeniero de estudio luchó durante un par de días para terminar la pista de batería en el Synclavier, Copeland dio un paso atrás y la completó en el Fairlight de todos modos. Copeland luego llamó al desacuerdo "la gota que colmó el vaso" en lo que respecta a la unidad de cualquier grupo. "Toqué mi parte de guitarra la primera noche", dijo Summers. "Los otros 20 días fueron esos dos discutiendo sobre las dos máquinas".

No habría un nuevo álbum de The Police en 1986, ni nunca. De hecho, la banda tuvo la suerte de salir con alguna grabación nueva. Las únicas dos canciones producidas en las sesiones fueron versiones más lentas y extra sintetizadas de "Don't Stand So Close to Me" y "De Do Do Do, De Da Da Da". El primero, torpemente retitulado "Don't Stand So Close to Me '86", fue lanzado como sencillo y video en octubre para promocionar la colección Every Breath You Take: The Singles. Este último, que aparentemente a la banda le gustó aún menos, se incluyó más tarde en la versión SACD de una compilación de éxitos de 1995.

Aunque The Police se reunió en 2007 para hacer una gira, se resistieron a volver a entrar en el estudio, dejando esas grabaciones del 86, a menudo difamadas, como las últimas.

"Somos los elegidos", Lemmy Kilmister (con Chris Declercq)

Chris Declercq prácticamente se ganó la lotería de los fanáticos del rock. En 2005, se mudó de su Suiza natal a Los Ángeles y se dirigió al famoso Rainbow Bar and Grill de West Hollywood en Sunset Strip. Mientras el líder de Motörhead, Lemmy Kilmister, vivía en California, había asistido regularmente al Rainbow y Declercq tuvo la suerte de conocer a uno de sus héroes en el bar, entablar una conversación y darle su demostración.

A Kilmister le debió gustar lo que escuchó, porque terminó colaborando con el músico suizo menos de una década después. Los dos coescribieron una canción llamada "We are the Ones", con letra de Declercq y voz de Kilmister, luego comenzaron a grabar la melodía en 2014 en Paramount Studios. En marzo de 2015, menos de un año antes de su muerte, Kilmister hizo una parte de bajo en una sesión que produjo su última grabación en solitario conocida.

En sus últimos años, Kilmister experimentó una serie de problemas de salud, aunque su voz áspera y su bajo atronador suenan positivamente vitales en "We are the Ones". En los meses posteriores a la sesión de grabación, trató de dejar de fumar, se enfrentó a una infección pulmonar y cumplió 70 años. Apenas dos días después de su cumpleaños, a Kilmister le diagnosticaron un cáncer cerebral terminal. Dos días más después de eso, el 28 de diciembre de 2015, murió por otros problemas, como insuficiencia cardíaca congestiva y cáncer de próstata.

Aproximadamente un año después del fallecimiento de Kilmister, Declercq trató de terminar "We are the Ones" con el productor Martin Guigui (quien también tocaba los teclados en la canción) y el baterista Josh Freese en el Studio 606 de Dave Grohl. La canción se convirtió en un tributo a un rock duro. leyenda.

"Me concentré en descifrar el código de la verdad de la canción, que es la habilidad artística de Chris para crear una letra y una melodía para el personaje de rock and roll de Lemmy, y luego la voz conmovedora de Lemmy, que es el corazón de la canción", dijo Guigui a Rolling Stone. . "Al final, mi papel era mantenerme fiel a la visión de Chris y quizás completar lo que Lemmy hubiera imaginado también. Es realmente un homenaje a Lemmy, con su participación, que es una locura".

Agregando los toques finales, Declercq grabó con un as de picas pegado al clavijero de su guitarra Les Paul, buscando hacer lo correcto por el hombre que lo había ayudado a obtener una oportunidad en la industria de la música. "Abriste una puerta que nadie más quería abrir para mí", dijo Declercq en un homenaje de 2017 a Kilmister. "Me permitiste compartir momentos preciosos contigo como compositor, músico y amigo. Al ayudarme, demostraste que eras el hombre más generoso, humilde y honesto. Honro tu regalo todos los días y siempre estarás en mi corazón. ."

"Guárdame en tu corazón", Warren Zevon

Después de evitar a los médicos durante décadas, a Warren Zevon se le diagnosticó mesotelioma terminal en el verano de 2002. Dado que le quedaban meses de vida, Zevon rechazó los tratamientos que podrían consolarlo pero obstaculizar sus habilidades. En cambio, se fue a trabajar.

"No creo que nadie sepa muy bien qué hacer cuando recibe el diagnóstico. Tomé la guitarra y me encontré escribiendo este tipo de despedida", dijo Zevon sobre "Keep Me in Your Heart" en un documental de VH1. "Al instante me di cuenta de que había encontrado qué hacer conmigo mismo. Pensándolo bien, podría ser un poco como una canción de 'ay de mí', pero me hizo darme cuenta de lo que iba a hacer con el resto del tiempo. "

Con un lote de canciones ya escritas (o al menos comenzadas), Zevon rápidamente comenzó a grabar lo que sería su último álbum de estudio, The Wind, en el otoño de 2002. Su socio creativo fue nuevamente Jorge Calderón, uno de los colaboradores más antiguos de Zevon, pero también recibió mucha asistencia estelar en el registro. The Wind contó con contribuciones de los amigos musicales Bruce Springsteen, Jackson Browne, Tom Petty y Eagles Don Henley, Joe Walsh y Timothy B. Schmit, entre otros.

Si bien los médicos advirtieron a Zevon que podría morir antes de fin de año, superó el pronóstico y trabajó en el álbum cada vez que su cuerpo se lo permitía. En abril de 2003, cuando Zevon ya no estaba lo suficientemente bien como para ir al estudio a grabar, sus colaboradores le trajeron el estudio. El gran músico de sesión Jim Keltner y Calderón grabaron sus suaves partes de "Keep Me in Your Heart" en el estudio y Jorge ayudó a crear una estación de grabación improvisada en la sala de estar de Zevon, para que pudiera poner su voz final. Con su hija embarazada Ariel mirando, Zevon cantó las palabras que había escrito después de darse cuenta de que su tiempo en la tierra no sería largo: "Si te dejo, no significa que te amo menos / Guárdame en tu corazón por Un rato."

Zevon vivió para ver The Wind completo, luego lanzado el 26 de agosto de 2003, con "Keep Me in Your Heart" como la pista final del álbum. Murió dos semanas después, el 7 de septiembre, más de un año después de que le dijeran que solo le quedaban unos meses. Tenía 56 años.

"¿Quieres rockear?", Phil Lynott (con Colbert Hamilton)

Después de que Thin Lizzy se disolviera en 1984, Phil Lynott estaba en problemas. Los últimos años de su vida fueron duros, ya que Lynott recurrió a las drogas y el alcohol para aliviar sus calamidades, tanto personales como profesionales.

Sin embargo, Lynott siguió trabajando. En sus últimas semanas de vida, Lynott produjo una sesión para Colbert Hamilton, un cantante británico que se especializó en los inicios del rock 'n' roll y se hacía llamar "Black Elvis". Hamilton grabó un delirio llamado "¿Quieres rockear?" en diciembre de 1985 en el estudio de la casa de Lynott en Richmond, Inglaterra, con Lynott tocando el bajo en la pista y cantando coros.

"Estaba concentrado en términos de su juego, pero iba a su propio ritmo", dijo Hamilton a la BBC en 2009. estaba mal de salud". La grabación, que sería el último turno de Lynott en un estudio, quedó prácticamente olvidada tras la muerte del ex líder de Thin Lizzy el 4 de enero de 1986, luego de un colapso en Navidad y una larga estadía en el hospital. Después de años de abuso de sustancias, Lynott murió de neumonía e insuficiencia cardíaca. Tenía 36 años.

"¿Quieres rockear?" acumuló polvo debajo de la cama de Hamilton durante el próximo cuarto de siglo, ya que la pista nunca recibió un pulido final. Se descubrió en 2009 cuando el músico Paul Murphy estaba trabajando en un documental que rastreaba la vida de Lynott tanto en Inglaterra como en Irlanda. Hamilton permitió que se lanzara como parte del proyecto de Murphy. "El audio es un poco tosco, ya que era un trabajo en progreso", dijo Murphy en ese momento, "pero el sonido inconfundible de Lynott se puede escuchar en todo momento".

"Nunca supiste lo que pensaba", Chris Cornell

La última grabación conocida del cantante de Soundgarden fue una colaboración más allá de la tumba, en más de un sentido. No mucho antes de que Chris Cornell se suicidara el 18 de mayo de 2017 en una habitación de hotel de Detroit, el cantante grabó "You Never Knew My Mind", basado en un par de poemas que el difunto Johnny Cash había escrito 50 años antes.

John Carter Cash, el hijo de Johnny, seleccionó a Cornell para contribuir a un proyecto que se convirtió en Johnny Cash: Forever Words, un álbum con una variedad de artistas que ponen música nueva a poemas, letras y cartas que el anciano Cash escribió antes de su muerte en 2003. Cash hizo una versión memorable de "Rusty Cage" de Soundgarden para su álbum Unchained de 1996, y un par de décadas después, Cornell estaba de alguna manera devolviendo el favor.

"Conocí a [Cash] una o dos veces en mi vida, fue muy amable y fue una gran influencia para mí como músico", dijo Cornell en el momento en que grabó "You Never Knew My Mind". "Y también hizo una versión de una canción que escribí. Desde ese momento, siento que es quizás una de las presencias más grandes en mi vida, en términos de artistas de los que soy fanático".

Cornell grabó su contribución en Cash Cabin Studio en Hendersonville, Tennessee, y, poco antes de su propia muerte, habló sobre la naturaleza de "Twilight Zone" de esta colaboración que tiene lugar en la cabaña que Johnny había construido. Cuando se preparaba para lanzar Forever Words en 2018, casi un año después de la muerte de Cornell, John Carter Cash reveló que Cornell había combinado dos de los poemas de su padre para la canción.

"En realidad, había dos piezas: 'You Never Knew My Mind' y 'I Never Knew Your Mind', eran básicamente la misma letra que se escribió desde dos puntos de vista diferentes", dijo Carter Cash a DJ Zane Lowe. Johnny "escribió 'You Never Knew My Mind' en 1967. Asumo y estoy bastante seguro de que fue escrito para su primera esposa, Vivian. Ese fue el año en que su divorcio fue legal. También fue el año en que su amor por mi madre floreció... Y Chris tomó las dos piezas y las unió en esta... No puedo escucharla sin que me deprima. Todavía lo digo en serio, y lo hizo antes de que Chris falleciera".

Además de ser una autopsia del primer matrimonio de Cash, "You Never Knew My Mind" también resuena con respecto al suicidio de Cornell a los 52 años, que tomó por sorpresa incluso a los más cercanos al cantante. En el verso final de la canción, Cornell canta: "A veces soy un extraño para ti / A veces eres un extraño para mí / A veces, tal vez todo el tiempo / Nunca supiste realmente mi mente / Yo nunca supe realmente tu mente".

"Carta de la muerte", Johnny Winter

Los fanáticos no solo pueden escuchar la última grabación de estudio de Johnny Winter, sino que también pueden ver cómo sucede. Su interpretación acústica de la famosa "Death Letter" de Son House fue filmada y luego lanzada como video.

No es probable que nadie supiera que la grabación sería la última de Winter, especialmente porque se realizó el 4 de febrero de 2013, más de un año antes de su muerte a los 70 años el 16 de julio de 2014, mientras estaba de gira por Europa. Y sucedió que el último turno de Winter en el estudio sería una canción que giraría en torno a la muerte, aunque la letra no trata sobre la muerte del cantante, sino de su amante.

"Al verlo hacer esta interpretación del clásico 'Death Letter' de Son House, puedes escuchar lo natural y cómodo que fue para él", dijo Warren Haynes a Rolling Stone. "Había estado escuchando y haciendo versiones de Son House toda su vida, que se encuentra aquí, pero de alguna manera suena igualmente como Johnny Winter".

"Death Letter" se lanzó póstumamente en el último álbum de estudio de Winter, Step Back, en septiembre de 2014. Es una de las dos únicas pistas que no cuentan con invitados especiales: Eric Clapton, Leslie West, Billy Gibbons y Joe Perry aparecen en otros lugares. Pero para su última grabación, Winter tuvo que salir solo. En el video de la sesión en solitario, sus últimas palabras son: "Estoy listo para irme a casa".

"Demasiadas mañanas", la banda

Teniendo en cuenta que la historia de la banda es inseparable de la carrera de Bob Dylan, es apropiado que el grupo hiciera una versión de una canción de Dylan en su última grabación. "One Too Many Mornings" se grabó en 1999, el mismo año en que Rick Danko murió a la edad de 56 años. La banda se separó definitivamente poco después.

Por supuesto, algunos pensaron que la banda había terminado después de su concierto de Acción de Gracias de 1976 en San Francisco, el espectáculo filmado para El último vals de Martin Scorsese. Pero esa actuación, por maravillosa que fuera, simplemente marcó el último baile de Robbie Robertson con la Banda; los otros cuatro miembros (Danko, Levon Helm, Richard Manuel y Garth Hudson) volvieron a estar juntos en 1983.

La reunión continuó a pesar del suicidio de Manuel en 1986 (tenía 42 años), con tres quintas partes del grupo original continuando grabando y de gira con los nuevos miembros Jim Weider, Randy Ciarlante y Richard Bell. The Band lanzó tres álbumes de estudio en los años 90, dos de los cuales incluían una canción de Dylan.

Así que, cuando House of Blues estaba organizando otro de sus discos tributo a artistas clásicos (ya estaban completos dos recopilatorios con versiones de canciones de los Rolling Stones y Janis Joplin), era natural que la compañía recurriera a la banda para un Dylan. -álbum enfocado. "One Too Many Mornings" fue una elección interesante para una versión, no solo porque la banda (cuando se llamaban Hawks) apoyó la revisión eléctrica de Bob de su canción en cada fecha de su gira de 1966, sino también porque una grabación de su La versión himno había sido lanzada en 1998 como parte de la "Serie contrabandista" de Dylan.

Sin embargo, hay un millón de millas entre la versión en vivo del 66 (que no presenta a Helm, ya que le había cedido su taburete de batería a Mickey Jones) y la grabación del 99, que destaca a Danko y su voz principal agridulce, Helm en la batería. y la armónica y el carnaval de Hudson de un órgano Hammond. Además, Derek Trucks tocó la guitarra slide en la pista.

Cuando Tangled Up in Blues (como se tituló el álbum tributo) llegó en julio de 1999, la fuerte interpretación de la banda de "One Too Many Mornings" cerró la compilación. A finales de año, Danko se había ido y la banda ya no existía, esta vez con certeza.

"Ride On", Bon Scott (con confianza)

Bon Scott participó en una de las primeras sesiones de Back in Black, el disco de AC/DC que acabó dedicándose a su memoria. Pero simplemente se unió a sus compañeros de banda Angus y Malcolm Young cuando descubrieron "Have a Drink on Me" y "Let Me Put My Love Into You", acompañando a los hermanos en la batería en lugar de cantar.

Casi al mismo tiempo, a mediados de febrero de 1980, Scott cantó en su última grabación de estudio con otra banda, el grupo francés Trust. Había ido al Scorpio Sound Studio de Londres con el también rockero australiano Mick Cocks para divertirse con la banda de metal francesa.

"Nos conocimos un año antes en los estudios Pathé en Boulogne a través de un amigo de Keith Richards", dijo el cantante de Trust, Bernie Bonvoisin, a Paris Match en 2015. "Un amor amistoso y musical a primera vista: me propuso abrir para AC/ DC en una serie de conciertos memorables en Francia".

Trust estaba grabando su segundo álbum de estudio Repression en ese momento, pero estaban felices de recibir a Scott, quien estaba en lo alto del éxito de Highway to Hell de 1979. Bonvoisin recordó a Scott bebiendo una botella de whisky mientras "ayudaba" con las notas en inglés para el próximo lanzamiento de Trust. Pronto, los chicos comenzaron una improvisación improvisada de "Ride On", una melodía de AC/DC que Trust había incluido en su álbum debut. Scott se unió para ayudar a cantar la canción lenta y de blues, que incluía la frase "No soy demasiado viejo para morir".

En seis días, entre la noche del 18 de febrero y la mañana del 19 de febrero, Scott se desmayó y murió a la edad de 33 años. Esto, al igual que la muerte de Brian Jones, fue declarada "muerte por accidente". Los compañeros de banda de Scott en AC/DC y sus amigos en Trust se sorprendieron por la noticia. La versión jam de estudio de "Ride On", debido a su condición de última grabación de Bon, apareció más tarde en copias piratas.

"Salón y salón", Jim Croce

La última grabación de Jim Croce fue un regalo para su amigo, socio creativo y guitarrista principal Maury Muehleisen. Como tal, era una canción que había escrito Muehleisen, no Croce.

Antes de que Croce obtuviera fama a principios de los 70, sus roles y los de Muehleisen se invirtieron. Maury era el que tenía el contrato discográfico y Jim lo ayudaba con la guitarra rítmica. Pero una vez que los dos comenzaron a trabajar en las canciones de Croce, con Muehleisen ayudándolo con los arreglos de guitarra, Maury se convirtió esencialmente en el guitarrista principal de Croce. Croce agradeció la generosidad de su amigo y mostró su gratitud grabando una de las canciones de Muehleisen, "Salon and Saloon", para su tercer LP.

Muehleisen se inspiró para escribir "Salon and Saloon" en la época en que él y Croce comenzaron a tocar juntos por primera vez en 1970. La canción se basa en la verdad, una tarde en la que dos viejos amigos de la escuela secundaria se ponen al día sobre dónde los ha llevado su vida desde la graduación. . Muehleisen asistió a la escuela secundaria St. Mary's Cathedral en Trenton, Nueva Jersey, y era amiga de Mary Mitchell. Los dos se ganaron la reputación de estar dedicados a sus pasiones; la de él era la música, la de ella el ballet. Se vieron por casualidad en la estación de tren de Trenton y pasaron el resto del día juntos.

"Hablamos sobre cómo habían cambiado nuestros compañeros de clase y especulamos sobre cómo debían haber pensado que habíamos cambiado", recordó Mitchell más tarde. "Iba a la escuela en Nueva York y trabajaba como modelo para ganar dinero para gastos. Maury se veía mucho como el artista creativo y de pelo largo que era. Nunca se me ocurrió que debíamos habernos visto bastante raros juntos ese día. ."

Muehleisen canalizó sus buenos sentimientos en una canción, llamándola "Salon and Saloon", porque parecía que la modelo Mary había salido del primero, mientras que él parecía haber salido del segundo. Maury podría haber estado planeando grabar la canción él mismo (esperaba volver a hacer sus propios discos después de la gira de otoño de 1973 de Croce), pero estaba encantado cuando Croce decidió hacer una versión de la melodía.

"A Jim realmente le encantó la canción y quería grabarla como un regalo para Maury", dijo la hermana de Maury, Mary, a Guitar World en 2013. "Jim cantó y Tommy West tocó el piano. No hay guitarras en la grabación. Fue la última canción Jim alguna vez grabó".

La versión de Croce de "Salon and Saloon" completó un álbum que se lanzaría como I Got a Name. Las sesiones, que tuvieron lugar en Hit Factory de Nueva York, finalizaron el 14 de septiembre de 1973. En menos de una semana, el 20 de septiembre, tanto Croce como Muehleisen se irían.

Mientras estaban de gira en Louisiana, los dos músicos, junto con el comediante George Stevens, el gerente y agente de reservas Kenneth D. Cortese, el gerente de ruta Dennis Rast y el piloto Robert N. Elliott, murieron cuando Elliott cortó un árbol de nuez al despegar del aeropuerto regional de Natchitoches y estrelló el avión bimotor. Croce tenía 30 años. Muehleisen tenía 24. Sus amigos y familiares quedaron atónitos.

I Got a Name, con "Salon and Saloon" como la segunda canción de la cara dos, se lanzó unos meses después, el 1 de diciembre. El LP de 1973 resultó ser otro gran éxito, dejando a los fanáticos preguntándose qué podrían tener Croce y Muehleisen. podido lograr si no se hubieran subido a ese avión.

"Electra," Dio

Aunque la banda derivada de Black Sabbath, Heaven & Hell, dominó la carrera musical de Ronnie James Dio en sus últimos años, tanto en términos de giras como de grabaciones, estaba planeando el próximo proyecto de su banda homónima antes de enfermarse gravemente en el otoño de 2009.

En 2000, la banda Dio lanzó Magica, un disco conceptual sobre una batalla entre las fuerzas del bien y el mal ambientada en un inframundo llamado Blessing. El plan desde el principio era que Magica sería la primera parte de una trilogía de álbumes que el grupo eventualmente grabaría. Los compromisos de Ronnie en Heaven & Hell de 2007 a 2009 retrasaron la escritura de canciones para las siguientes dos entregas, aunque reveló que había comenzado "siete u ocho" pistas en una entrevista de octubre de 2009.

Alrededor de ese tiempo, Ronnie incluso comenzó a pasar del escenario de demostración, solicitando la ayuda del guitarrista Doug Aldrich en una pista, que nunca se lanzó. "Estábamos dando vueltas a algunas de sus ideas y trabajando en algunas de ellas", dijo Aldrich a Roppongi Rocks en 2017.

"Antes de que hiciéramos 'Electra', tenía este otro que decía: '¿Puedes poner un solo en esto?' y él me dio la pista", agregó Aldrich. "Le puse un solo y luego, cuando lo llevé a su casa, dijo: 'No, no, no. Tengo esta nueva idea llamada 'Electra'". Ni siquiera lo escuchamos. Ni siquiera creo que haya escuchado el solo porque estábamos muy concentrados en tratar de hacer una canción para promocionar la gira que íbamos a hacer".

Después de años de poca actividad para Dio, el plan de Ronnie era revivir a la banda con una gira, lanzar un sencillo de los próximos Magica II y III como adelanto y luego grabar esos álbumes en 2010. "Electra" se convirtió en ese adelanto, con la participación de Ronnie. en la voz, Aldrich en la guitarra, Rudy Sarzo en el bajo, Simon Wright en la batería y Scott Warren en los teclados. La pista fantástica incluye la letra, "Y es lo último que harás", que resultó ser trágicamente profética.

No mucho después de completar la grabación de "Electra", a Dio se le diagnosticó cáncer de estómago en noviembre de 2009. Todas las giras y grabaciones se cancelaron mientras Dio buscaba tratamiento para la enfermedad. En febrero de 2010, "Electra" recibió un lanzamiento especial como parte de la caja Tournado que habría estado disponible para los fanáticos en la gira de Dio, antes de que fuera cancelada.

Lamentablemente, el cáncer de estómago de Ronnie hizo metástasis y murió a causa de la enfermedad el 16 de mayo de 2010. El hombre que hizo famosos los "cuernos de metal" se fue a la edad de 67 años. "Electra" es la última canción que grabó Dio y lanzó, en menos hasta ahora, y es la única canción de las secuelas de Magica que se ha publicado oficialmente. Después de la muerte de Ronnie, apareció en una compilación, así como en un bonus track en el relanzamiento de lujo del álbum Magica original.

"Más fuerte que las palabras", Pink Floyd

La última canción grabada de Pink Floyd fue el resultado de un proceso creativo que abarcó más de 20 años. Eso se debe a que la melodía, como gran parte del material instrumental del último álbum de Floyd, The Endless River, tiene sus raíces en las sesiones de 1993 de The Division Bell. Aunque Rick Wright había muerto en los años siguientes, sus compañeros de banda David Gilmour y Nick Mason pudieron modificar, fusionar y mejorar las ideas, melodías y sonidos de esos días, con la ayuda de los coproductores Phil Manzanera, Andy Jackson y Martin "Youth". Glover.

A diferencia del resto de la gran mayoría de The Endless River de 2014, "Louder Than Words" es menos un componente de una pieza pseudoambiental y más una canción adecuada, con la única letra del álbum, cantada por Gilmour y escrita por su esposa Polly Sansón. Después de haber trabajado ya en ideas líricas para The Division Bell, Samson llamó la atención de su esposo sobre una idea durante este proyecto. Se inspiró al ver la famosa reunión de Pink Floyd en el Live 8 de 2005.

"En Live 8, ensayaron, hubo pruebas de sonido, mucho tiempo de inactividad sentados en habitaciones con David, Rick, Nick y, en esa ocasión, Roger [Waters]", recordó a Semanal de entretenimiento. "Y lo que me impresionó fue que nunca hablaron. No hablan de cosas triviales, no hablan mucho. No es hostil, simplemente no hablan. Y luego suben al escenario y musicalmente esa comunicación es extraordinario."

Ella escribió una pieza que se enfocaba en la conexión musical de los miembros de la banda, a pesar de las luchas más que ocasionales de Pink Floyd con la armonía del grupo fuera del escenario. Cuando Samson le presentó a Gilmour las palabras, pensó que era un gran punto culminante para la carrera de la banda y que coincidía con la música en la que ya había estado trabajando. La pista terminada tenía un pie en 1993, con la interpretación del teclado de Wright, y otro en 2014, con la voz recién grabada de Gilmour en el estudio de su casa. Glover dijo que el cantante y guitarrista de Pink Floyd esperó hasta el final de las nuevas sesiones para dejar su voz.

"Tanto Phil como yo habíamos estado presionando a David para obtener la letra y la voz", dijo Glover a Uncut. "Todos a su alrededor decían que odia hacer voces, y siempre las deja para el último minuto... Hace algo asombroso cuando está componiendo y obtiene una melodía. Hace esta voz skat. Es absolutamente perfecta. Aparentemente así es como hizo 'Comfortably Numb'. Nunca había escuchado a un cantante patinar una voz principal tan exacta, con la emoción correcta y todo".

Una vez que Samson tuvo la letra, toda la canción se unió como una meditación sobre cómo lo que unía a los chicos de Pink Floyd era más fuerte que lo que se interponía en el camino. Aunque Gilmour, Mason y Waters (quien dejó el grupo en los años 80) todavía están vivos y activos en la industria de la música, han dado pocas esperanzas de que haya más música de Pink Floyd en el futuro.

"Cualquier cosa de valor está en The Endless River", dijo Gilmour a Rolling Stone. "Intentar hacerlo de nuevo significaría usar el segundo mejor material. Eso no es lo suficientemente bueno para mí".